Earth vs. the Flying Saucers (La Tierra contra los Platillos Volantes)
Columbia Pictures. 85 min.

Estados Unidos, 1956

Director: Fred F.Sears

Reparto: Hugh Marlowe, Joan Taylor, Donald Curtis

Producción: Charles H.Schneer
Música: Mischa Bakaleinikoff

Argumento: El Dr.Russell Marvin se encarga de dirigir una operación de exploración del espacio. Se envían once cohetes pero se pierde contacto con ellos. Russell y su esposa Carol viajan por una carretera cuando un enorme platillo volante les pasa por encima. Marvin empezará a atar cabos que relacionaran los avistamientos de Ovnis con la desaparición de los cohetes.
Ray Harryhausen, ese gran maestro de los efectos visuales, fue pieza clave en este clásico de la serie b de Ciencia-Ficción. Sus platillos volantes tenían vida propia gracias a un mecanismo que hacía girar parte de ellos evitando que fueran estáticos. Muy interesante hacerse con la edición especial en Dvd que incluye como extras varios documentales y entrevistas a Harryhausen. Pero vayamos al tema.

A pesar que el guión no es demasiado convincente la película resulta muy efectiva (y efectista). Los platillos no dejan continuamente con la boca abierta tapando una historia oscura en la que no terminas de saber las intenciones del ejército invasor. Sin embargo, se sigue con interés. Los actores están siempre muy metidos en su papel y rozan la perfección.
Las escenas de destrucción resultan espectaculares, especialmente cuando los aturdidos platillos chocan contra famosos edificios de Washington como el Capitol. Gran efecto el del rayo que usan los alienígenas y que hace desaparecer todo lo que toca. Emocionante también el momento que descubren la cara del alienígena.

Ray Harryhausen, por sí solo, con su barita mágica mantiene el interés en este film… ¡Larga vida a Harryhausen!

La ficha de la película en IMDB.

Bjork convertida en Robot, una chica con la cara deforme anunciando la playstation2…, la propia cabeza del director en todas las cabezas de los protagonistas de un videoclip… ChrisCunningham, director de videoclips e imaginario con personalidad propia, próximo director de cine (algún dia), nacio en Inglaterra en 1970…

Videos musicales

• “Second Bad Vilbel” (Autechre, 1995)
• “Back With The Killer Again” (The Auteurs, 1995)
• “Space Junkie” (Holy Barbarians, 1996)
• “Another Day” (Lodestar, 1996)
• “Personally” (12 Rounds, 1996)
• “36 Degrees” (Placebo, 1996)
• “Something To Say” (Jocasta, 1997)
• “Jesus Coming In for the Kill” (Life’s Addiction, 1997)
• “Tranquillizer” (Geneva, 1997)
• “Come to Daddy” (Aphex Twin, 1997)
• “No More Talk” (Dubstar, 1997)
• “Light Aircraft On Fire” (The Auteurs, 1997)
• “The Next Big Thing” (Jesus Jones, 1997)
• “Only You” (Portishead, 1998)
• “Afrika Shox” (Leftfield feat. Afrika Bambaataa, 1999)
• “Come On My Selector” (Squarepusher, 1998)
• “Frozen” (Madonna, 1998)
• “All is Full of Love” (Björk, 1998)
• “Windowlicker” (Aphex Twin, 1999)
• “Sheena is a Parasite” (The Horrors, 2006)

Anuncios de televisión [editar]

• Mental Wealth (Sony Playstation)
• Photocopier (Levi Strauss & Co, nunca emitido en televisión)
• Engine (Nissan, con música de Boards of Canada)
• Quiet (Telecom Italia)
• Sport is Life (ITV)

Los secretos de este magnífico actor de la época muda se encuentran tanto dentro de su maletín (él mismo se aplicaba el maquillaje), como fuera de él (su gran carisma y contundentes interpretaciones).

Paul y Jackie Blaisdell nos abren las puertas de su casa, para que podamos disfrutar de sus fantásticas creaciones monstruosas, toda una galería de seres clásicos del cine de ciencia ficción.

“¡¡Haznos un Saucer man!!“, le requerimos. Dicho y hecho, Paul se pone manos a la obra para mostrarnos el proceso de creación de la criatura.

1. Pincel en mano, nos sorprende con un detallado boceto del malvado invasor. ¡Va vestido a la última moda de Marte!

2. Acto seguido, Paul agarra una especie de arcilla y se pone a moldear. Estas criaturas espaciales tiene un cerebro privilegiado (por el tamaño de sus cabezas, lo digo).

3. no es una almendra gigante, aunque lo parezca. Ha cubierto la arcilla con un molde de escayola, y, tras un rato, toca una operación delicada: quitar el molde.

4. Un compuesto de goma en el molde creado y voilà, “cerebro” habemus.

5. Es el turno del resto de la cabeza: cara, boca, patas de gallo. Se repiten los procesos anteriormente comentados, arcilla, escayola y demás.

6. Para las manos, delicadas ellas, se usa el mismo procedimiento que para el cabezón. Y sí, tienen un ojo en el dorso de la mano, cosas del guión.

7. Para finalizar se acoplan todas las piezas de goma y se incrustan ojos de plástico, de mirada escalofriante.

¡¡Ya tenemos a nuestro monstruito, dispuesto para inyectar alcohol en sus víctimas en la producción de la American´s International Pictures de 1957 “INVASION OF THE SAUCER-MEN“!!.

Genial artículo aparecido en el número 1 (1958) de la imprescindible revista de James Warren y Forrest J. Ackerman “Famous Monsters of Filmland“.

.

Uno de los principales motivos para disfrutar en cine la película de Guillermo del Toro, Hellboy 2, The Golden Army, es su impresionante imaginería. La calidad visual de la película y su anonadante galería de monstruos destaca sobre el resto de elementos del film.

Basados en dibujos previos de Mike Mignola, junto con otros creados de propio, el diseño de los seres fantásticos es brillante e innovador.

Para la secuencia del mercado Troll Mike Mignola tenía esta idea: “crear una ciudad oculta de personas sin hogar bajo el puente de Brooklyn, donde poco a poco se descubriesen las particularidades de cada individuo”. Pero Del Toro no quiso escatimar esfuerzos, y decidió hacer la ciudad subterránea, enseñando cientos de seres fantásticos de todo tipo.

Las imágenes que les ofrezco están extraídas  de Wired y muestran el proceso de creación de algunas criaturas desde sus inicios en papel. También acompaño con fotogramas de la película.

En 1937 Laemmle vende los Estudios Universal, algo que no afectará al departamento de Jack Pierce, que sigue manteniendo sus niveles de calidad. Se suceden una rotación de jefes de producción en la compañía.

viene de Jack Pierce, el maquillaje del terror (parte 1) y de Jack Pierce, el maquillaje del terror (parte 2)

Nunca le falta el trabajo a Pierce, y aunque aquí solo nombre sus colaboraciones en el género de terror, también participa en un buen número de películas como Imitación a la vida (1934), Los tres diablillos (1936) o o Love before breakfast (1936) por poner tres ejemplos.

Lugosi, celoso de la popularidad alcanzada por Karloff, en buena parte gracias a los cambios de aspecto que Pierce elaboraba, decidió hacer uso de los postizos y adornos (que anteriormente se había negado a llevar) en la película El hijo de Frankenstein (Son of Frankenstein, 1939). Para la caracterización de Ygor, Pierce empleó un cuello de goma para simular el cuello roto del personaje tras haber sido ahorcado. Tras esto colocaba capas de pelo de yak sobre su rostro y añadía una peluca bien peinada, un bigote y una dentadura de gutapercha.

Nuevamente, frente a él Boris Karloff, esperando paciente el postizo de turno, en La torre de Londres (Tower of London, 1939) de Rowland V. Lee, y en Black Friday (1940) de Arthur Lubin. Luciendo una ahuevada cabeza en la primera y un aspecto de mad doctor en la segunda. En Man made monster (1941), dirigida por George Waggner, sería Lon Chaney Jr. quien se pusiese bajo su foco. Aquí si que podemos decir que es poco memorable la caracterización de este actor.

Pero en su siguiente película, tanto Pierce como el propio Chaney se resarcirían. En El hombre Lobo (The wolf man) de George Waggner, Pierce vuelve a ofrecernos un genial maquillaje, a la altura de Frankenstein o La momia. Diseñó un hocico de goma y cubrió con cola el rostro de Lon Chaney Jr. de pelo de yak, de gran grosor y robustez. Finalmente chamuscaba el pelo con unas tenazas para darle aspecto salvaje. Tras lo cual el actor se colocaba la dentadura y ya estaba listo. Según Curt Siodmark, el guionista del filme, el proceso de maquillaje duraba seis horas, y otras tres para quitarlo. Un suplicio para Chaney. Para las sucesivas tomas, en las que el actor se transformaba en hombre lobo mediante la técnica del stop-motion se le iban colocando uñas diferentes en las manos. Como curiosidad decir que las cortinas del fondo estaban almidonadas para que no perdieran su posición en el rodaje. En total esta escena contó con 21 cambios de maquillaje, toda una proeza para la época.

En 1942, Lugosi volvía a caracterizarse de Ygor y Chaney Jr. se encargaba del monstruo en The Ghost of Frankenstein, llenando el hueco dejado por Karloff, con un maquillaje que intentaba simular al de siempre, pero que esta vez se veía postizo y menos elaborado. Un año después, y tras el trabajo realizado en The Mummy´s tomb, Pierce aplicó el maquillaje de monstruo de Frankenstein a Bela Lugosi. El actor húngaro veía como su carrera iba en decadencia y esta vez sí accedió a transformarse por completo en Frankenstein y el hombre lobo (Frankenstein meet the wolfman) con desastrosos resultados. El maquillaje menos acertado no fue acompañado por la interpretación de Lugosi, en la que primeramente hacía hablar al monstruo, que además estaba ciego. Pero en la sala de montaje eliminaron todas las frases del actor y la referencia a su ceguera, lo que nos devolvió un ser torpe y mudo, cosa que indignó al público.

En Captive Wild woman se acercaría al subgénero con señor disfrazado de gorila. El clásico El Fantasma de la Ópera (Phantom of the Opera, 1943) contó con una nueva versión de manos de la Universal y dirigida por Arthur Lubin. El maquillaje portado por Claude Rains se redujo a la mínima expresión por exigencias del actor, que no quería verse encasillado con un papel de “monstruo”. Lon Chaney seguriía siendo el Fantasma por excelencia, gracias a su impresionante maquillaje hecho por él mismo en la versión muda de la historia.

En 1947, La esclava del desierto (Slave girl) supondría su última colaboración con Universal Pictures. Los tiempos avanzaban, y así se lo hacía notar la compañía poniendo en su puesto a Bud Westmore, que aplicaba materiales más baratos y ágiles de usar como el caucho poroso en contra del largo tiempo usado por un esmerado y meticuloso Jack Pierce. Antes de este fulminante despido había participado en un largo número de películas de todo tipo de la que destacaremos La zíngara y los monstruos (House of Frankenstein, 1944), reunión de todos los horrores importantes de la Universal, y La mansión de Drácula (House of Dracula, 1945), su último trabajo de cierta relevancia. y esta vez con Glenn Strange en el papel de monstruo de Frankenstein.

Tras esta inolvidable etapa y su participación en el film épico Juana de Arco (Joan of Arc, 1948) Pierce aterrizó en la televisión, colaborando durante la segunda mitad de los 50 y principios de los 60 en varios programas hoy en día olvidados, como Mister Ed (1961-1964), del que fue jefe de su departamento de maquillaje.

Como colofón a su carrera, el artista fue requerido en películas de ciencia ficción de serie B como The Brain from Planet Arous (1957), Teenage Monster (1958), Giant from the Unknown (1958) o The Amazing Transparent Man (1960), con diseños poco memorables. La última película en la que colaboró fue Beauty and the beast (1962).

El 19 de Julio de 1968 moría a la edad de 79 años en el St. Joseph Hospital de Burbank, California. Fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California. Allí acudieron unas pocas personas, pues Hollywood se había olvidado de él.

En 2002 recibió un premio póstumo en la ceremonia de “Makeup and Hair Stylist awards” (Premios del Maquillaje y Estilismo).

Antes de La Momia que constituiría otro éxito sonado, Pierce estuvo trabajando, entre otras, en El Doble asesinato en la calle Morgue (Murders in the Rue Morgue) de Robert Florey, La legión de los hombres sin alma (White zombie,1932) de Victor Halperin y El Caserón de las sombras (Old Dark house, 1932) de James Whale, maquillando a Lugosi en las dos primeras (un desquiciado mad doctor en ambas, nuevamente con pocos postizos), y a Karloff en la última (un horripilante mayordomo mudo, con cicatrices deformantes).

viene de Jack Pierce, el maquillaje del terror (parte 1)

Para La Momia (The Mummy, 1932) de Karl Freund, envolvió a Karloff en unas vendas previamente cocidas para darle esa apariencia de milenaria humedad. Tras lo cual se cubría al actor con una capa de barro, y tras su secado, se cubría de pegamento. El efecto era conseguir que la primera capad e vendas se deshaciese en una nube de polvo en el momento que el monstruo saliese del sarcófago, en su primera aparición en la película. El rostro se adecuó aplicando cola teatral y algodón con unas pinzas, para simular arrugas, igual que en las manos. Secaba la cola con una especie de calefactor manual. Finalmente derramaba una mezcla de tierra y arcilla de belleza sobre el pelo del actor para conseguir aspecto de putrefacción. Todo este trabajo no fue en balde, pues en futuras secuelas de La Momia usó la misma técnica, hasta que resolvió usar máscaras de goma para simular el rostro de la criatura. Sin duda logró la representación más famosa y recordada de este monstruo clásico.

Tras esta colaboración, y hasta su siguiente gran éxtio con El hombre lobo, entre otras, participó en la caracterización de El hombre invisible (Invisible man, 1933) de James Whale, cinta en la que destacaban los prodigiosos y espectaculares efectos visuales creados por John P. Fulton. El rostro de Claude Rains envuelto en vendas y tocado por unas gafas solares quedaría asociado para siempre al de este desquiciado científico inventor del suero de la invisibilidad. En Satanás (The Black Cat, 1934) de Edgar G. Ulmer, duelo interpretativo entre dos grandes como Boris Karloff o Bela Lugosi sobre un relato de Poe, se encargaría de conferir al primero un aspecto demoníaco gracias a la capa de maquillaje, el corte de pelo y el perfilado de las cejas. La interpretación de Karloff acababa de rematar la obra creando un personaje mítico.

En 1935, Pierce volvió a dar la campanada por el fantasioso peinado, diseñado por el director James Whale, que hizo lucir a Elsa Lanchester en La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935). Un largo pelo con una marca en forma de relámpago, una piel extremadamente pálida, y un porte inspiración egipcia. Nuevamente, Pierce dio en el clavo, constituyendo una imagen icónica de la pareja de la criatura. Para el monstruo se usó la misma base de maquillaje añadiéndole quemaduras, provocadas por el incendio sucedido al final de la primera película.

En El lobo humano (Werewolf of London, 1935) de Stuart Walker, Pierce tomó contacto por primera vez con el famoso licántropo. Pero aquí no se supo aprovechar su potencial debido a las exigencias del actor protagonista, Henry Hull, estrella del momento que exigió que pudiera ser reconocido por los espectadores aún convertido en lobo. Por lo tanto, los rasgos licantrópicos son mínimos. Aún así se trata de un excelente trabajo.

Nuevo enfrentamiento de la pareja más carismática de Estudios Universal en El Cuervo (The raven, 1935) de Lew Landers e inspirado en un relato de Poe. Y de nuevo es Karloff el que sufre las inclemencias del maquillaje interpretando a un deforme asesino fugitivo, a las órdenes del malvado Doctor Vollin (lugosi). A medio camino del de La momia, se representan con detalle las cicatrices en el rostro de Karloff. Algo más comedido será el maquillaje portado por Karloff en El poder invisible (The Invisible ray, 1936) de Lambert Hillyer, donde otra vez se reunía la insperable pareja fetiche. Aquí es John P . Fulton quien da el do de pecho con sus efectos visuales. En 1936 se estrenaba La Hija de Drácula (Dracula´s daughter) de Lambert Hillyer. La palidez y el tétrico aspecto de la actriz gloria Holden es lo único destacable de la aportación de Pierce a esta discreta película.

Cuando la criatura creada por el Doctor Frankenstein y revivida por un rayo apareció ante nuestros ojos, su poderoso aspecto hizo de él un ser inolvidable, iconográfico. La imagen del monstruo surgida del clásico de la Universal seguirá asociándose a la creación literaria de Mary Shelley por siempre. Y eso se lo debemos a Jack Pierce, el maquillador de las pesadillas.

INICIOS

Ninguna otra versión posterior ha causado tanto impacto. Boris Karloff es pieza indispensable, por supuesto. Pero el maquillaje de Jack Pierce confiere al actor una fuerza inigualable. Este pionero del maquillaje monstruoso en el cine, nacido en 1889 en Grecia, llegó a la meca del cine tras haber emigrado de Europa afinales del siglo. Una década, desde 1910 a 1920, desempeñando todo tipo de trabajos en la incipiente industria cinematográfica: de extra, de asistente de cámara, gerente de nickeoleon (salas que ofrecían proyecciones de media hora de duración por sólo 5 centavos la sesión).

El referente más directo que Pierce pudo encontrar en aquella época en lo que a maquillaje se refiere se encontraba trabajando en unos pequeños estudios sitos en el Valle de San Fernando, los “Universal City” (nombre elegido por Carl Laemmle, su fundador, que creó el estudio en 1915 donde entonces se erigía una granja de gallinas), y no era otro que Lon Chaney, que conseguía transformarse de manera espectacular aplicándose el mismo maquillaje y prótesis.

Sus colaboraciones en Vitagraph y Fox Studios llamaron la atención a Universal, que creo su propio departamento de maquillaje facial para Pierce en 1928 una vez que Lon Chaney hubiera dejado la compañía por enfermedad (en 1930 moría de cancer). Dos años antes, Cecil Holland (considerado por muchos el primer artista del maquillaje en el cine) y el propio Pierce, colegas de profesión, habían contribuido a la creación de la Asociación de Artistas del Maquillaje, la primera de este tipo, que solo contaba con cincuenta miembros en aquella época.

PRIMERAS PELÍCULAS

La primera película en la que Pierce aplicó su arte fue en la producción de la Fox dirigida por Raoul Walsh Habla el mono (The Monkey talks, 1927), drama circense con simio voyeurista. EL actor Jacques Lerner fue trasnformado en simio usando gamuzas, masilla y pelo falso adherido con cola especial, añadiendo más tarde una peluca con orejas de cuero. Con su segunda colaboración, ya para la Universal, en el clásico de Paul Leni El hombre que ríe (The man who laughs,1928) demuestra su capacidad para la creación de seres de infortunado aspecto. Conradt Veidt ofrece un inquietante rostro, genial traslación de la novela de Victor Hugo. En su tercera colaboración, sin acreditar como en las otras dos, East is West (1930) de Monta Bell, con Lupe velez y lewis Ayers en el reparto, transformó a Edward G. Robinson en chino con su maquillaje.

Carl Laemmle Jr. tomó las riendas de la empresa fundada por su padre, Universal, a los 21 años, y tuvo la luminosa idea de trasladar a la gran pantalla los mitos del terror de la literatura en una serie de películas que al cabo de los años resultarían clásicos y harían que se adoptase el término “monstruos universal” para definir a los personajes. Drácula (Dracula, 1931) de Tod Browning, basado en la novela de Bram Stoker, cuyos derechos poseía Universal, sería una buena piedra de toque. Pierce se llevó un gran chasco cuando Lugosi declinó llevar su maquillaje. El actor húngaro decidió maquillarse él mismo, y no en exceso, solo lo justo y necesario. El maquillaje especial del técnico hubo de regresar a su maletín. Otras fuentes hablan de que en la negativa de Lugosi solo entraba el que le desfiguraran el rostro, así que simplemente se le aplicó una pintura de grasa color verde luminoso para realzar elblanco y negro del rostro, además de la famosa línea del pelo.

Y LLEGA… EL MONSTRUO DE FRANKENSTEIN

Su obra maestra del maquillaje llegaría en 1931, cuando James Whale llevó al cine La novela de Mary Shelley Frankenstein. Boris Karloff, tras haber rechazado Lugosi el papel (esta vez le hubiesen tenido que desfigurar sin remedio) fue contratado para interpretar al monstruo, y Pierce, quien poco pudo sacar de la novela para maquillar el personaje, consultó libros de anatomía y cirugía. Así, puesto que a la criatura le habían reinsertado el cerebro, ideó la famosa cabeza cuadrada con clavos. Usó colodión y algodón para esta tarea, y unos pequeños cables para tirar de las esquinas de la boca, exagerando los matices del semblante del actor inglés. Cuentan que apretó tanto los tornillos del cuello que Karloff sufrió las cicatrices durante años. Las piernas del monstruo se enfundaron en tubos de metal, para dar un aspecto mecánico a sus andares. Unas suelos de un grosor acentuado en sus pesadas botas aumentaban la talla haciendo a la criatura más amenazadora. Ya estaba lista su creación más redonda, la que marcaría una época. El Frankenstein que interpretaba De Niro muchos años después intentaba ser más fiel al del libro, pero la magistral apariencia lograda por Jack Pierce habría de ser la que marcara a generaciones, haciendo que al oir hablar del monstruo, su imagen nos venga a la cabeza. Esta y ninguna otra, plagiada hasta la saciedad.

A los 62 años de edad nos deja Stan Winston, maestro de los efectos especiales y maquillaje de Hollywood.
Uno de los nombres más conocidos del mundillo (junto al de Rick Baker) y laureados. Su creación más celebrada es el alienígena de Depredador (Predator, 1986).

Pero sobre todo es su colaboración con Spielberg en Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993), la que constituiría una innovación de este tipo de efectos visuales al combinar acertadamente infografía y animatronics y la que propiciaría la creación de ILM, empresa dedicada a efectos especiales digitales, junto al técnico Scott Ross y al director James Cameron (con el que había colaborado anteriormente en las dos partes de Terminator).
Su faceta menos conocida es la de director, con una película en su haber, Gnomocop (Upworld, 1991) de escasa calidad, aunque eso sí, con una criatura muy bien hecha. Tambíen sus tempranas participaciones como maquillador, como en el filme W. C. Fields and me (1977) nos muestran a un excelente profesional en este apartado.

Ganó un Oscar por los maquillajes de Batman Vuelve (Batman returns, 1992), que tan bien supo trasladar de los diseños de Tim Burton. También fue nominado, entre otras, por Eduardo Manostijeras e Inteligencia Artificial.
Su último trabajo, el Iron Man de Jon Favreau.
Desde aquí un profundo reconocimiento a este mago de los efectos, cuya aportación al cine de ciencia ficción jamás será olvidada.